The pains of being pure at heart- S/T (2009) Fortuna pop

NOISE/POP ESTELAR

Cuarteto juvenil de la infinita cantera neoyorquina.
Influncias no le faltan: My bloody valentine, Teenage funclub o The pastels
para adentrarnos en un universo de ruido y bateria marcada por la luminosidad…

Los chicos vienen pisando fuerte...

Son puros de corazón y sufren, como toda la humanidad,
el dolor que producen las relaciones humanas . Han sacado a la luz su primer y sensacional disco.
Las voces se esconden tras la distorsión ofrenciéndonos letras agradables y melodías pegadizas; alegres…es como si my bloody valentine llegarán a encontrar el complejo elexir de la felicidad y mostraran su cara más sonriente. Con la voz pegadiza de kim y los coros risueños de Peggy haciendo de puente perfecto.
Recuerdan a unos The radio dept. Que hayan superado su tremenda depresión.

Un disco para escuchar de principio a fin pues todos son temazos…
10 canciones que saben a pop británico y noise noise noise!!!!!!!!!!!!
Y sí, es cierto, no inventan nada nuevo, quizás solo se queden en su debut y busquen más gustar a adolescentes que a melómanos… pero este inicio promete.
Escúchadlo y las ganas de marcha aparecerán solas.
Son el Hype de principios de 2009.
En mayo estará sobre el escenario del primavera sound…
Y con su himno “young adult friction” comenzará la quema.

LITTLE JOY-little joy (2008) Rough Trade Records

Brazilian/ americana sweet folk

little joy-evaporar

Tempo a gente tem Quanto a gente dá

Corre o que correr Custa o que custar

Tempo a gente dá Quanto a gente tem

Custa o que correr Corre o que custar

O tempo que eu perdi Só agora eu sei

Aprender a dar Foi o que ganhei

E ando ainda atrás Desse tempo ter

Pude não correr Dele me encontrar

Ahh não se mexeu Beija-flor no ar

O rio fica lá A água é que correu

Chega na maré Ele vira mar

Como se morrer Fosse desaguar

Derramar no céu Se purificar

Ahh deixa pra trásSais e minerais, evaporar!

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Little joy... recordad los momentos de sol perfecto, de brisa húmeda en la cara...

Noches de música baja y de sonrisas marcadas de luz...

Así suenan little joy...la banda de Los Ángeles evoca pasajes de momentos perfectos y debe de ser la banda sonora de los futuros días; y de los sueños.

Fabrizio Moretti(bateria the strokes) nos muestra lo que lleva dentro de él : la simplicidad perfecta del folk intimista que alegra el alma.

Acompañado de Rodrigo Amarante y Binki Shapiro nos llevan a un mar en calma de sensaciones dormidas.

Suaves acordes de una guitarra a lo bossa con tintes africanos

y la suave voz de Binki

despuntando hacia un beso.

Me recuerdan a Nico & the velvet underground

y eso es poner el nivel muy alto...

quiero enamorarme escuchando este disco y pasar tardes infinitas saboreando su música de sonrisa marcada.

Letras suaves de pasajes amorosos, Con la ilusión del primer amor y de las primeras canciones...

Bienvenidos little joy!

http://www.youtube.com/watch?v=Qs6WFMJGxE8

EL SÉPTIMO SELLO -Ingmar Bergman- (1957)

Dirección Ingmar Bergman
País Suecia
Año 1957
Producción Allan Ekelund
Guión Ingmar Bergman
Música Erik Nordgren
Fotografía Gunnar Fischer
Reparto Max von Sydow, Bibi Andersson, Gunnar Björnstrand, Bengkt Ekerot, Nils Poppe



El cine de Bergman siempre se ha caracterizado por su introspección y el tratamiento de los temas que más afectan al ser humano. En El Séptimo sello, Ingmar Bergman habla del existencialismo, de la eterna búsqueda del ser humano por darle sentido a su vida, de la vida y la muerte y de todo lo que ello conlleva.

Con el argumento de un caballero que regresa de las cruzadas y encuentra su comarca arrasada por la peste, este director sueco nos presenta la metáfora más elaborada acerca de la lucha del hombre contra un inevitable destino: una partida de ajedrez contra la muerte. En ella se irán desarrollando diferentes escenas en las que se esconden numerosas alusiones religiosas y filosóficas (no hay que olvidar que el título de la película hace referencia a la apertura de los siete sellos del libro al que se menciona en el Apocalipsis de San Juan, donde al abrir dicho sello comienzan a tocar los siete ángeles sus trompetas y a producirse desgracias sobre la tierra).

Con una sobresaliente escenografía, lo más destacado es el color y la luz que se tratan. El estar rodada en blanco y negro le supone una ventaja, pues logra contrastar la oscuridad de la muerte con la luz del caballero, los juglares, el matrimonio y el niño. Asimismo, esta dualidad se ve representada en las fichas del ajedrez, que intensifican la lucha entre lo blanco y lo negro, la vida y la muerte.

Como si de un libro con mensaje oculto se tratara, la película contiene numerosos símbolos y alegorías que requieren de más de un visionado para darle un significado completo al film; pero hay que destacar el mensaje final que nos ofrece, y que supone una presencia importante a lo largo de El Séptimo Sello: la muerte es lo único certero en la vida, es lo que nos hace a todos iguales, y muerte y vida van unidas irremediablemente, sin poder existir una sin la otra, lo que varía es la duración y el ingenio con el que se juega al ajedrez.

Cigarettes & Chocolate Milk o el coito auditivo -Rufus Wainwright-

Incluida en el disco Poses del artista neoyorkino-canadiense Rufus Wainwright, lanzado en el año 2002, con el sello Dreamworks. Esta canción evoca las sensaciones claves para el placer físico del oído de todo aquel que caiga rendido a su inevitable significado.



Cigarettes & Chocolate Milk comienza tímida, pero poco a poco se va volviendo sensual; se mueve despacio pero firme, luego retrocede en una especie de juego de seducción, aunque la timidez inicial ha quedado muy atrás.
Se olvidan las inhibiciones, las notas se agravan, los coros llegan y acarician con sus dedos la privilegiada voz. Es la hora de la contundencia, la pasión se intensifica y nuevos instrumentos con alma de voyeurs llaman a la puerta.

Los violines comienzan a masturbar a los oídos y la horizontalidad precede al piano, que da unos segundos de descanso al corazón acelerado. A pesar de la aparente suavidad de los movimientos, se presiente la llegada del momento culminante. Se desea que llegue, y la agonizante espera es tan dulce que el orgasmo nos pilla por sorpresa unos segundos antes del cuarto minuto. Los sentidos se expanden, el alma se eleva, los párpados caen.
El final de la canción se suaviza, descansa tras la sobredosis de placer, y termina en una dulce ensoñación que deja con ganas de más.

Photofinish::París contempóraneo al estilo Córtazar

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Cae la tarde en la Rue des cascades

y la Maga te invita a soñar...

Suenan los acordes acústicos de Radiohead

en las escalinatas que suben a Montmâtre

y te fundes con la ciudad infinita...

Bajo tierra la ciudad es un hervidero

de sensaciones dormidas y de manos

que se encuentran al son de un acordeón.

Un descanso en la hierba húmeda...

Hablemos de la existencia humana

bajo Eiffel....

Crucemos los puentes de un París ardiendo;

busquemos el destino incierto

tirando piedras en le Pont de St Martin....

París.....Je t'aime

La Nouvelle Vague

Cuando el cine, a comienzos de los 60, comienza a perder fuerza y se vende al público amante de lo superficial, de lo fácil, de lo comercial, un grupo de críticos de la Cahiers du Cinéma crean el punto de inflexión y marcan la historia del cine creando una tendencia que influirá en el futuro al cine de autor. Una nueva ola ha llegado.

La nouvelle vague reúne todo lo indispensable para rechazar el cine para públicos generalistas. Amantes de directores como Hitchcock, André Bazin o Howard Hawks, aprenden de su exquisita realización para materializar la metáfora hecha cine.

El comienzo de esta ola va de la mano de François Truffaut, con su autobiográfica Los 400 Golpes, y de Alain Resnais con Hiroshima, mon amour, ambas estrenadas en 1959. Unos filmes no tan extravagantes como serían lo siguientes, pero lo suficientemente rompedores para marcar a toda una generación.

Planos de cortísima duración, posiciones de cámara antes nunca vistas, juegos de música y silencios e innumerables alusiones cinematográficas, hacen de estas películas en las que la imagen cobra protagonismo por encima del guión unas joyas de obligado visionado para cualquier amante del cine.

Godard, Resnais, Truffaut, Rivette, Rohmer, Chabrol y Melville reinventaron el concepto de cine de autor, y se convirtieron en realizadores alternativos, creadores de un arte sin límite, que supieron aprovechar todo lo que su cinefilia les ofrecía.

M.Búlgakov: el Maestro y Margarita (1940-1941)

Mente enferma o mano tocada por los ángeles del infierno. Así podríamos describir al médico y dramaturgo ruso Mijail Búlgakov.
Búlgakov comenzó a escribir su más famosa y admirada novela en 1928. Fue una tortuosa carrera de fondo su publicación. Terminada por su esposa en 1940 ya muerto Búlgakov. No fue hasta 1966 cuando fue publicada. La censura comunista vetó durante décadas la que para mi es la mejor novela en lengua rusa del siglo XX. Quizás sea la más desconocida y la que mejor refleja el estado comunista.
Y como si Gothe se adueñara de sus dedos Bulgakov creo al nuevo Fausto: Vóland. Y ayudado de figuras misteriosas convierten la capital rusa en un circo de muerte y sarcasmo. Desmontando las férreas convicciones comunistas.
Un libro dentro de tres libros: Moscú, Jerusalem y los amantes. Un maestro torturado que escribe sobre Poncio Pilatos y es censurado. Margarita la belleza de la que se enamora vóland y que venderá su alma hacia la extrema pobreza.
La novela trata de la interacción entre el bien y el mal, la inocencia y la culpa, el valor y la cobardía, explorando estos temas como la responsabilidad hacia la verdad cuando la autoridad la niega y la libertad de espíritu en un mundo que no es libre. El amor y la sensualidad son temas dominantes de la novela.

Leer a Búlgakov es saber que fue el comunismo. Es destruir la Fé y consolidar los pensamientos sobre que es el amor y la muerte.
Y es llegar al éxtasis literario. Aplausos para el maestro...
En el gran baile de Satanás O en un gran teatro moscovita.