miércoles, 24 de junio de 2009
Time of the season -The Zombies-
El verano es amarillo y azul con toques de verde, huele a agua, a sol, a crema solar, a cloro, a hierba y a piel. El verano sabe a ensalada, a sandía, a sal, a limón y a tarta de cumpleaños. El verano suena a olas, a paseos, a sorber por pajita, al vuelo de un mosquito, y también el verano suena a Time of the season de The Zombies, o puede que al revés.
Ya al inicio del tema se viene a la mente sin poder evitarlo el recuerdo de una tarde seca, silenciosa y abrasadora. Esas tardes de sobremesa en las que las calles se vacían y el amarillo lo invade todo.
Segundos más tarde, la voz de Colin Blunstone nos traslada a un refrescante baño en un mar del sur cuyas olas mecen los cuerpos deseosos de descanso, esos baños que invitan a la reflexión y unen irremediablemente y de por vida al bañista y a las aguas que le acogen.
Time of the season es la banda sonora de una estación ansiada, alegre, renovadora, aquella que más recuerdos guarda, recuerdos y emociones que se vuelven presentes cada vez que se oye esta canción, por lo que es posible recrear un microverano de tres minutos y medio en el invierno más crudo, con la finalidad de calmar los fríos internos y dar la esperanza de la venida de una nueva tarde de verano.
jueves, 11 de junio de 2009
La anulación del color a favor del argumento
Los cineastas del cine en blanco y negro han llegado a adquirir unas cotas altísimas de perfección fotográfica, de contrastes entre luz y sombras y una sorprendente profesionalidad en el uso de la iluminación
Desde el momento en que el espectador percibe la pintura, sea del modo que fuese, ese modelo pictórico produce lo que se llama “efecto pintado”, que interfiere en la lectura del encuadre, debida al cruce de dos efectos de realidad distintos. Siempre es un predominio de la dimensión discursiva sobre la narrativa, entendiendo que la discursiva remite al lenguaje cinematográfico, a su estructura y a su unidad de producción. En su primera acepción como efecto pictórico, significa un verdadero efecto especial, puesto que trata de crear determinados efectos escenográficos. Es un medio al servicio de la representación cinematográfica, como por ejemplo la utilización del color en Antonioni o los fondos pintados de algunas películas de Hitchcock y Fellini.
En el cine clásico nada debe alterar el flujo narrativo, se trata de provocar la sorpresa en el espectador, resulta curioso que precisamente ese cine clásico sea en blanco y negro, no ya por la imposibilidad de rodar en color sino por la gran importancia que se le da al argumento. El color distrae al ojo del espectador de lo que realmente importa en la película, de su esencia, esto es, la historia que se pretende contar.
Para demostrar esto tan sólo hay que observar el efecto que los colores tienen sobre el cerebro humano; todos los tipos de colores usados en las películas recurren a las sensaciones que transmiten al cerebro para provocar emociones, lo que supondría un mecanismo artificial de crear sentimientos, frente al natural de las palabras. Por lo tanto, si queremos que el espectador esté totalmente concentrado en la historia deberemos eliminar todo lo superfluo, lo sobrante, lo que hasta inconscientemente pueda distraerlo, es decir, el color.
Puede asemejarse la monocromía del blanco y negro con cualquier otra armonía monocromática, aunque existe una diferencia fundamental: la segunda pretende provocar sensaciones a través del color, haciendo que se sientan emociones a través de los colores en lugar de por la historia.
Ejemplos de armonías monocromáticas los encontramos en las películas Largo domingo de noviazgo de Jean Pierre Jeunet, en la que se combinan monocromías cálidas y frías para las escenas de guerra y Lucía y el sexo de Julio Medem en la que se combinan colores claros y oscuros para simbolizar los sentimientos de los protagonistas.
La luz es un elemento imprescindible para el lenguaje cinematográfico. Sin luz no hay cine. La iluminación crea sombras, arrugas, rejuvenece o envejece, crea efectos psicológicos del personaje, en función de donde se coloque cambia la atmósfera de una película. En claroscuro está filmada, por ejemplo, El sur, de Victor Érice. En el cine en blanco y negro lograron algunos cineastas como Eisenstein o Fritz Lang dominar el mundo de luces y sombras, dando a la sombra carácter protagonista, utilizando con maestría el contraluz, el humo de hogueras y cigarros. La niebla y otros efectos se realizaban con fines estéticos, para enfatizar la luz y las sombras y no solamente con el fin de crear atmósferas y ambientes. La luz se convierte en protagonista en la película Lady Halcón de R. Donner, llegando al máximo en la secuencia final, en el eclipse, cuando al cambiar la luz por las sombras Lady Halcón se convierte, de halcón, en persona.
Un ejemplo es la utilización del color en cineastas de las últimas generaciones, como Spielberg, que filma en blanco y negro, o vuelve al blanco y negro tras filmar en color, mezclando algunos toques de color como el vestido rojo de una niña y las llamas de una vela en La lista de Schindler o determina el porcentaje de color al diez por ciento en Salvar al soldado Ryan, para crear la atmósfera de horror hacia la guerra.
Algunos puristas del cine afirman que el mejor cine es el antiguo, que a partir del año que ellos creen conveniente ya no se ha hecho buen cine, que tal director inventó todo lo que se puede inventar sobre tal o cual faceta de la cinematografía. Son afirmaciones tajantes, pero hechas en foros públicos ante aprendices o aficionados en formación, dan la sensación de que el cine ya hubiera dado las últimas boqueadas, de que los jóvenes realizadores ya no pueden aportar más al cine o de que las nuevas tecnologías han eliminado las posibilidades creativas.
La imagen cinematográfica es, en ciertos aspectos, heredera de la pictórica. Tras la llegada de la televisión, la publicidad y el vídeo, se ha dado un proceso imparable de banalización y pérdida de valor de la imagen.
miércoles, 10 de junio de 2009
Útopicos...
¿Qué somos en la fría distancia?
¿Somos recuerdos enlatados de oscura huida
o luminosidad irremediable?.
Palabras de ensueño; ilusionantes.
Un cómodo sofá para dos.
Tetera de sensanciones humeantes.
inusuales; que no deslucen la calzada.
Guiados hacia caminos inexplorados.
¿Exquisito deseo o pecado original?
¿Qué soñamos en las noches de sábana fría?
Quizás seamos “París” en el sueño:
Impresionistas de luz impactante.
Suaves matizes y figuras atrayentes.
Inacabados...
Cae la noche en nuestra noche estrellada:
Imaginaria y templada.
De paseos por puentes encendidos
Y música orquestada en las plazas.
Bohemios y útopicos.
Al amanecer despertaremos: ausentes.
Lo peor de todo- Ray Lóriga (1992)
lunes, 1 de junio de 2009
domingo, 24 de mayo de 2009
distancia...
Passion Pit-Manners (2009) Frenchkiss Records
viernes, 22 de mayo de 2009
Wolfgang Amadeus Phoenix -Phoenix-
Los franceses sacan nuevo disco el 25 de mayo, cuyo rítmico título es Wolfgang Amadeus Phoenix. El disco contiene 9 temas y se pueden disfrutar dos de ellos desde hace un tiempo: Lisztomania, su primer single y que recuerda a Consolation Prizes, y una de las canciones más destacadas de este nuevo trabajo de estudio, 1901, un tema con la capacidad de quedarse a vivir en la cabeza y con el que poder bailar bajo este sol de verano adelantado.
martes, 19 de mayo de 2009
El sabor de un café de mirada baja
lunes, 18 de mayo de 2009
ONCE - John Carrey - (2006)
Dirección: John Carney
Intérpretes: Glen Hansard, Markéta Irglová, Bill Hodnett, Danuse Ktrestova, Marcella Plunkett.
Guión: John Carney
Música: Glen Hansard
Fotografía: Tim Fleming
Duración: 85 min.
País: Irlanda
Premiada en el festival de Sundance en el 2007, Once es un musical independiente que resume su esencia y su secreto en la sencillez. Una trama sencilla, unos personajes bien construidos, con un pasado bien ideado que influye en su presente y más tarde se reconvierte en futuro.
Once presenta una historia tan cercana que puede convertirse en la tuya. El realismo es algo destacado en la película, realismo que se ve subrayado por la abundancia de primeros planos y la fotografía, algo deficiente, que resalta el frío y gris paisaje tanto interno como externo que se nos presenta.
Pero si hay algo que verdaderamente es la base de la película, más allá de la sencillez y el realismo, es la sensibilidad. Cada escena está impregnada de sentimientos tan a la vista que parece que se pueden romper en cualquier momento. Sensibilidad en los diálogos, en las miradas de los protagonistas, sensibilidad en las canciones que describen el arco emocional por el que viajan. Unas canciones que son su marca y lo que permanece, la música que crea el recuerdo de la frágil y sensible historia de amor que se desarrolla en Once.
La sensibilidad hecha música:
sábado, 16 de mayo de 2009
El misterio del Solitario (1995) Justein Gaarder
La eterna pregunta.
A partir de esta profundidad, Jostein Garneer crea dos historias de acertado aprendizaje del pensamiento humano. ¿Azar?.
Hans Thomas emprende un viaje hacia Atenas en busca de la madre que le abanonó. Viaje que para su compañero, es algo más que un reto. Un viaje en coche, de paisajes cálidos y humo, de charlas de profundo contenido existencial. Durante el viaje, el muchacho conocera, a través de un libro, a Frode. Sabrá de sus viajes por islas y mares. De como llegó tras un naufragio a una isla desierta. Conocerá las garras de la soledad y como hizo que las 53 cartas de una baraja cobrarán vida.
¿Podemos determinar nuestro destino?
Hay veces que los cuentos nos dicen más que cualquier docto tratado de filosofía. Y eso el premio Nobel Justein Gaarder lo sabe muy bien. Cuenta con una infinita creatividad: el mundo de Sofía, el vendedor de cuentos, Maya, etc. Todos son de una brillantez irreprochable.
A través de su forma sencilla y profunda se llega a un conocimiento locuaz sobre nuestra existencia. Mágica existencia.
jueves, 14 de mayo de 2009
Propiedades del verde
- Es horizontal
- Si lo acaricias, te mojas
- Lo tienen tus ojos
- Reconforta los fríos internos
- Es el color de los sapos, que te alejan de los peligros del azul (por aquello de los príncipes) y al intentar perseguirlos en sus saltos burlones, te puedes encontrar a ti mismo
- Al cerrar los ojos y deletrear su nombre, llega la primavera
- Puedes bucear en él sin asfixiarte
- Huele a miradas abiertas
- La felicidad usa este color para vestirse
(In) capaz...
(In) capaz de acercarme. (In) capaz de alejarte.
(In) capaces de unirnos.
(In) capaz de volatilizarte en aire, para luego condensarte en nube
blanca y rozarnos en un cielo limpio de algodón;
y rugir al mar en calma.
(In) capaz de volverte grisácea y feroz. Sucumbir a la tormenta.
Transformarte en lluvia eléctrica. Y caer sobre mí.
Empaparme de lluvia.
(In) capaz de ser viento puro. (In) capaz de chocar contra las olas.
(In) capaz de volar como polén acuoso que provoca ataques de alergia.
(In) capaz de besarte (In) capaz de soñarme. (In) capaz de perderte.
(In) capaz de ser droga inyectable. (In) capaz de vaciarme.
(In) capaz deser libre para la multitud. (In) capaz de ser histeria.
(In) capaz de ser humo doliente. (In) capaz de ser herida.
(In) capaces de ser nada...
Insípidos. De lengua azul y gusto efímero.
martes, 12 de mayo de 2009
Adiós Antonio Vega... Adiós
Se va uno de los grandes del Pop español a la edad de 51 años. Antonio Vega, el lirismo de una época, nos dejó hoy; un día nublado de mayo en Madrid.
Atrás quedan las noches de exceso en los 70 y los 80 cantando en el Penta. Nacha pop y sus himnos de pop perfecto. Virtuoso de la composición y la poesía. Haber teloneado a los Ramones y llenar estadios.
Un adiós sincero... Siempre serás grande. Y tu música un referente claro.
Lucha de gigantes
Lucha de gigantes convierte el aire en gas natural.
Un duelo salvaje advierte lo cerca que ando de entrar.
En un mundo descomunal siento mi fragilidad.
Vaya pesadilla corriendo con una bestia detrás...
Dime que es mentira todo. Un sueño tonto y no más.
Me da miedo la enormidad donde nadie oye mi voz.
Deja de engañar, no quieras ocultar que has pasado sin tropezar.
monstruo de papel no sé contra quien voy o es que acaso hay alguién más aquí...
Creo en los fantasmas terribles de algún extraño lugar.
Y en mis tonterías para hacer tu risa estallar.
En un mundo descomunal siento tu fragilidad.
Deja que pasemos sin miedo...
http://www.youtube.com/watch?v=ZvMDQudMgK4
aquí os dejo uno de mis momentos preferidos del cine...con Antonio de fondo...
lunes, 11 de mayo de 2009
The secret society- I am becoming what I hate the most (2008) Acuarela
Hablemos de las tardes de silencio absoluto. De la reflexión obsesiva y el reproche autocompasivo. Noches destructivas en las que te sientes tocado y hundido. El dolor de cabeza y la radiografía incompleta de tu universo.
He aprenido tras viajar por la miseria, que sigo vivo.
Did you ever feel ridiculously sad?
Este disco saca todo lo malo que hay dentro de mí, es por eso que lo quiero más que al resto...
sábado, 9 de mayo de 2009
Recíproco: insoportable fascinación del ser
Recíproco. Como la sonrisa que responde a una melodía impregnada de imágenes. Como dos dedos que se conocen como si fuera la primera vez. Como las señales no emitidas pero sabidas por el otro. Como dos cuerpos balanceándose al compás. Como posos que te he dejado tras coger pequeños detalles de ti. Como mis ojos reflejados en los tuyos.
Las letras que salen con más rapidez que lo interno, desvelan la respuesta que va más allá de todos los muros construidos a final de la infancia, y un lapsus revelador te mira directamente, y con tanta pasión que no puedes evitar enrojecer.
Y necesitas más, mas espejos qe reflejen tu estado, unas imágenes idénticas que te remuevan por dentro, seguir viendo con curiosidad como es tu forma de ser en otra persona, tu propia mano disfrazada de otra que le da la vuelta a tu mundo. Más. Más momentos. Más miradas confesoras. Más palabras. Más gestos simples que se graban en la piel. Un intercambio completo del yo con el tú.
Y elaboras nuevas perspectivas, en las que se han colado ingredientes de miedo, confusión y asombro, que producen en ti una abstinencia que te lleva a buscar con deseperación la mayor reciprocidad que hayas experimentado nunca.
Rockanrolla
viernes, 8 de mayo de 2009
Las canciones que marcan un comienzo de siglo
2000.
Radiohead - Idioteque
Coldplay- Yellow
Daft punk- One more time
2001.
Muse - Plug in baby
Yann Tiersen- Vals d’Amelie
The shins- New slang
2002.
Damien Rice- The blower’s daughter
The knife- Heartbeats
The coral- Dreaming of you
2003.
The white stripes- 7 nation army
The postal service- Such great heights
Placebo- The bitter end
2004.
Cocoroise- Terrible angels
Franz Ferdinand- Jaqueline
The Go! Team- Ladyflash
2005.
Anthony & the Johnsons- Hope there’s someone
Rufus wainright- The one you love
Sigur Rós- Glósóli
2006.
Tv on the radio- Wolf like me
Artic monkeys- A certain romance
Gnarls Barkley- Crazy
2007.
Arcade fire- No cars Go
!!!- heart of hearts
M.I.A.- Jimmy
2008.
MGMT – Time to pretend
Hot chip- Ready for the floor
Vampire weekend- A punk
2009.
Mando diao –dance with someboy
The pains of being pure at heart-young adult friction
Animal collective-My girls
miércoles, 6 de mayo de 2009
Las horas...
Las horas ilusorias conjugando fantasías en condicional.
Las horas inquietas de música quieta y trasfondo azul.
Las horas profundas de sentimiento sumergido.
Las horas rídiculas de palabra edulcorada.
Las horas pausadas de apariencia pícara.
Las horas ausentes de inmadurez platónica.
Las horas transparentes de mirada lúcida.
Las horas a oscuras de tacto inexpresivo.
Las horas perdidas de alcohol a escondidas.
Las horas nocturnas de versos y mentiras.
las horas promiscuas de sexo instintivo.
las horas frías de humo repulsivo.
Las horas inacabadas de sonrisa sin rima.
Las horas valientes de futuro comprometido.
Las horas dementes de abrazo partido.
Las horas ajenas de recuerdo dual...
Las horas insalvables que nos roba la vida.
martes, 5 de mayo de 2009
The Wave Pictures-Instant Coffee Baby (2008) Moshi Moashi
Parecen recién salidos del horno con este disco. El grupo galés nos estrega con éste, su 7º disco de estudio. Desconocidos para muchos (entre los que me incluyo) ha sido en 2008 cuando han sido reconocidos por la crítica internacional. Se mudaron a Londres y se relacionaron con Darren Hayman (Hefner) y el gran Herman Düne , que los incluyó como teloneros en su gira.Así, la gran mayoría, hemos sabido de su existencia.. Y vaya joya. Inmensa.
Trio de indie pop divertido de guitarras alocadas y sonido que no busca la perfección; de hecho, creo que en su caos reside la brillantez. La voz desgarrada de David Tattersal nos conduce en un vaje irracional hacia el sonido del soul de los 70 y el folk sesentero más puro. Letras de ironía e ingeniudad deslocada, ritmos que marcan una mueca de simplicidad que conducen hacia la hiperactivadad...Y siempre Hefner, la mano de Darren Hayman, como telón de fodo. Un disco de musicalidad efervesceste.
La discográfica Moshi Moshi ( Architecture in Helsinki, Hot Chip o Au revoir Simone) apostó por ellos y no se equivocaron. Nos traslandan a los años dorados de la música.
Sus canciones, los nuevos himnos para noches bañadas en cerveza.
"Leave the scene behind", "I love you like a madman" o "Instant coffee baby" serán algunas de las mejores canciones de la década.
Hábeis dado el gran salto y ya nada, ni nadie, os podrá parar...
" I read your letter, i read your letter
it said, I Love John Lennon Forever.
Cos I, read your letterAbout how you love Sergeant Pepper
But I know that someday I’ll do better".
Acaba de salir su último disco, mas tranquilito (esta en proceso de escucha/no de crítica) titulado "If you leave it alone" .
Déjame entrar (Let the Right One In)-2008
Fotografía: Hoyte Van Hoytema
Reparto: Kåre Hedebrant, Lina Leandersson, Per Ragnar.
lunes, 4 de mayo de 2009
ELI "PAPERBOY" REED & the true loves -Roll with you- (2008)
El soul no ha muerto. Y no me refiero a las aportaciones maquilladas de Amy Winehouse o Duffy, sino a un hombre sacado de otra época: Eli Paperboy.
Si Otis Redding levantara la cabeza se sorprendería al ver a un blanco tocando música negra de una manera tan pura. Eli paperboy se ha metido en la máquina del tiempo para aterrizar en el siglo XXI regalándonos nuevos temas de un soul con sonido oldie, ya que él no ha reinventado este género, ni lo ha vuelto a poner de moda, ni lo ha actualizado; Eli Paperboy ha resucitado el soul.
Y no le falta de nada. Voz portentosa, desgarrada, pasional, guitarras añejas con una potencia y sentimiento que no se escuchaba desde hacía mucho, temas nuevos con sabor antiguo... todo un conjunto que harían de él un artista digno de Motown, a pesar de no ser negro.
Pero una imagen mental no puede quedar completa sin escuchar una parte de su disco Roll with you. Haced un viaje por la máquina del tiempo:
Haruki Murakami-Kafka en la orilla (2005) editorial Tusquets
jueves, 30 de abril de 2009
I Love 90's...
10.My bloody valentine-loveless.1991
9.The magnetic fields-69 love songs.1999
8.AIR-Moon safari.1998
7.Smashing pumpkins-Mellon Collie and the infinitive sadness.1996
6.Pulp-different class.1995
5.Sonic Youth-Goo.1990
4.Belle and sebastian-if you’re feeling sinister.1996
¿ A qué suena el pop dulce y melódico actual? Canciones suaves de luminosidad
3.Portishead-Dummy.1994
Beth Gibbons y su primer disco. Trip hop o art rock de atmósfera
2.Radiohead-ok computer.1997
El disco de culto de los 90. La musica depresiva que habla del futuro y
1.Neutral milk hotel-in the aeroplane over the sea.1998
Obra maestra. La voz de Jeff Magnum referente de las nuevas voces.
martes, 28 de abril de 2009
martes, 21 de abril de 2009
La puesta en escena cinematográfica al servicio de la historia
La puesta en escena tiene su origen en la práctica de la dirección teatral. En el cine, se utiliza este término para expresar el control del director sobre lo que aparece en la imagen fílmica. Debido a su tradición teatral, el público exige realismo en la puesta en escena, pero esta exigencia es equivocada, puesto que no existe ninguna película realista, ya que este concepto depende directamente de las modas. Por ejemplo, una película de ciencia-ficción de los 80 podía parecer muy realista al público de esa década, pero a los espectadores de ahora les parecerá burda en sus efectos especiales y, por lo tanto, poco realista. Lo mismo pasa con el modo de actuar de los actores: en Lo que el viento se llevó (Gone with the wind, Victor Fleming, 1939) la actuación de, por ejemplo Vivien Leigh puede parecer actualmente exagerada y poco realista, pero en su época fue muy aplaudida.
El cine, a no ser que sea documental, no es nunca realista, puesto que el cine en sí mismo es ficción siempre, incluso cuando una película está basada en hechos reales; no se le puede pedir realidad a una ilusión, porque mata su esencia. Por ejemplo, en María Antonieta (Marie Antoinette, Sofía Coppola, 2006), el no realismo ayuda a contar una historia desde el punto de vista de su protagonista, cómo lo ve ella y cómo lo siente; si la directora hubiese querido hacer una puesta en escena más realista, se hubiesen perdido todas las connotaciones, significados y emociones que nos quería transmitir, una parte importante de la historia, la que no se cuenta en el guión, se hubiese perdido. Sin embargo, los cineastas principiantes, cuando construyen e idean un decorado, intentan que sea lo más realista posible; asocian realismo con calidad y buena documentación. Pero hace falta ir más allá, profundizar en la historia y en los personajes para hacer el decorado respecto a ellos; hay que adecuar el escenario, vestuario e iluminación al servicio de la historia, y no al revés, se debe reconocer la huella autoral en la puesta en escena.
Esto ocurre incluso en el cine dogma; la regla número uno del decálogo dice así: El rodaje debe realizarse en exteriores. Accesorios y decorados no pueden ser introducidos (si un accesorio en concreto es necesario para la historia, será preciso elegir uno de los exteriores en los que se encuentre este accesorio) . A pesar de la dificultad que impone esta regla, los decorados de las películas que la siguen también están al servicio de la historia; véase Celebración (Festen, Thomas Vinterberg, 1998), en la que la mansión en la que se celebra la reunión describe la posición social de los personajes y su pomposidad, la necesidad de aparentar, que luego se irá descubriendo a lo largo de la película.
De hecho, ninguno de los elementos de la puesta en escena es real: los personajes son actores, el decorado no pertenece al lugar donde está situado, el vestuario se ha hecho especialmente para la película y la iluminación está formada por fuentes de luz que no se ajustan a la realidad, pero que permiten a los cineastas crear composiciones claras para cada plano. Esto refuerza la idea de que la puesta en escena debe estar al servicio de la historia.
Todos y cada uno de los elementos de la puesta en escena por separado demuestran su utilidad a la historia. Y si por separado muchos de ellos (como la iluminación) tienen la suficiente fuerza para demostrar la hipótesis que se plantea, para demostrar que la puesta en escena completa de una manera muy extensa la historia que nos cuenta una película, unidos todos estos elementos, el significado subyacente de la puesta en escena cobra más fuerza que nunca.
La puesta en escena dirige nuestras expectativas sobre los hechos de la narración, es decir, nos da pistas sobre lo que sucederá en la historia y provoca interrogantes en el espectador acerca de ella. Pero, ¿esto se da siempre?, ¿qué ocurriría si una película careciera de varios elementos de la puesta en escena?
Veamos el ejemplo de Dogville (Dogville, Lars von Trier, 2003). En esta película, el escenario tal y como nos tienen acostumbrados es inexistente, toda la historia transcurre en una especie de habitación negra, con los lugares señalados en el suelo como si de un mapa se tratara. La iluminación es muy básica, lo justo para que la imagen se aprecie perfectamente. Todo este conjunto provoca una sensación de teatralidad, como si estuviésemos presenciando una obra de teatro. ¿Qué nos puede transmitir algo tan básico y simple? Pues, en realidad, mucho más de lo que pueda parecer. La puesta en escena tan primaria simboliza a la gente del pueblo, la teatralidad del escenario representa la falsedad de la hospitalidad y las buenas maneras de la gente de Dogville, todo es falso, todos son falsos.
Vemos de nuevo que la puesta en escena está al servicio de la historia, que está impregnada de ella, y que habla de lo que se cuenta sin palabras. La puesta en escena es mucho más que lo que se ve a priori, es, en definitiva, el mensaje invisible, un acertijo audiovisual que el director envía al espectador para que éste complete de manera definitiva la historia.
domingo, 19 de abril de 2009
Love of lesbian- Valladolid indie
¡Empieza el show!
33’3 período de temas de sus tres “discazos” en español… Suenan demasiado bien
La segunda parte del acto en palabras de Santi Balmes es más gamberra…
“Miau” y su musicalidad en frecuencia modulada… “Los colores de una sombra” a grito pelado
¿Tenéis más ganas de fiesta? ¿Mucha más fiesta? SÍIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII
Y a modo de brutal despedida, con olor a hierba, empieza a sonar el “HIT” “Algunas plantas”… Los lesbianos se desmelan y se funden con su público…
Gracias chicos…sois el “indie” y que no os de miedo… llenareis el Bernabéu…
sábado, 18 de abril de 2009
DOLLS -Takeshi Kitano- (2002)
Dirección y guión: Takeshi Kitano.
País: Japón.
Año: 2002.
Interpretación: Miho Kanno, Hidetoshi Nishijima, Tatsuya Mihashi, Kyôko Fukada, Tsutomo Takeshige, Chieko Matsubara.
Producción: Masayuki Mori y Takio Yoshida.
Música: Jô Hisaishi.
Fotografía: Katsumi Yanagishima.
Montaje: Takeshi Kitano.
Inspirada en las muñecas del teatro Bunraku, Dolls narra tres historias interrelacionadas que tienen en común el amor y la tristeza.
Apartándose de la violencia a la que nos tiene acostumbrados, Takeshi Kitano retrata otro tipo de violencia, mas allá de la física: la violencia del alma, aquella violencia que provoca el amor cuando se siente de la forma más cruda. Y lo hace a través de la poesía visual, retratando paisajes que se antojan pictóricos y haciendo palpable los sentimientos por definición abstractos.
La película se aleja en el terreno narrativo del modelo comercial, y abundan elipsis y flashbacks perfectamente construidos, así como la economía verbal, que deja paso a la imagen, una imagen que se diferencia de las anteriores películas del director japonés en su uso cromático, que pasa del protagonismo de colores fríos como el blanco o el azul a tonos más cálidos, en representación de las pasiones humanas. Takeshi Kitano utiliza el color para hacer un recorrido por las cuatro estaciones, en lo que parece ser un homenaje al Akira Kurosawa de los últimos tiempos.
Dolls es la poesía del dolor, el amor cobrando vida en la mirada perdida de una joven marchita que espera, el recuerdo de lo que pudo ser, la piel por encima de la mirada, dos amantes que vagan hasta el fin de sus días unidos por un lazo rojo atado a la cintura...
viernes, 17 de abril de 2009
Foxboro Hot Tubs-Stop Drop & Roll!!! (2008) Jijgle Town Records
Billie Joe y sus chicos duros…Grupo alternativo a parte de Green day.
¿Suenan a Green day? Un poco sí. Sobre todo, suenan a ese rock & roll clásico de los 70’s.
Saben a pista de baile rockera de chupas de cuero y gomina a lo “grease”.
Fui fan desde pequeño del punk divertido de Green day ; hasta que un día se hicieron comerciales y me tocaron la moral. Dejé de escucharlos.
Con “American Idiot” y su temazo “Jesus of Suburbia” volví a emocionarme con la banda de Billy. Esencia de discos como “Nimrod” o “Amnesiac” que marcaron la locura de la adolescencia.
Cuando llegó a mis oídos este disco y puse los altavoces: levité. Dichosa distorsión que me hace botar y reír. Dichosas melodías que destrozan el alma. Y sobre todo, himnos de garage sucio de noches de ligoteo y alcohol.
“Mother Mary”, “Alligator” o “ The pedestrian” dejan claro lo que fue el rock
en estado puro y lo que unos Green Day inspirados son capaces de hacer…
Lets go to dance and shake!!!! Come on!
miércoles, 15 de abril de 2009
vinilos rockanrolla
soul/fotografía/nuevas tendencias
/7to arte/literatura/pensamiento libre/